Koreograafia tantsuline kompositsioon

Koreograafia, tantsude loomise ja korraldamise kunst. Sõna tuleneb kreeka keelest sõnade “tants” ja “kirjutama” jaoks. 17. ja 18. sajandil tähendas see tõepoolest tantsude kirjalikku ülestähendust. 19. ja 20. sajandil aga muutus tähendus ebatäpselt, kuid üldiselt, samal ajal kui kirjalikku ülestähendust hakati nimetama tantsumärkena.

tants: koreograafia

Koreograafia on tantsude tegemise kunst, korra ja mustri järgi liikumise kogumine ja organiseerimine. Viimane

Järgneb koreograafia põgus käsitlus. Täieliku kohtlemise kohta vaata tantsu: Koreograafia; tants, lääne.

Tantsukompositsioon on loominguline samamoodi nagu muusika kompositsioon. Tantsu märkimine on aga analüüsi- ja reportaažitöö, mida teostavad üldiselt inimesed, kes pole koreograaf, keeles või märkides, mida looja võib-olla ka ei mõista.

Renessansi ajal õpetasid Itaalias tantsumeistrid, näiteks Domenico da Piacenza, kohtus seltskonnatantse ja ilmselt hakkasid nad leiutama uusi või korraldama tuntud tantsude variante, ühendades niiviisi loomingulise funktsiooni nende haridusaladega. Lavastatud ballett töötas samade sammude ja liigutustega nagu seltskonnatants ja erines sellest põhimõtteliselt põranda paigutuse ja visuaalse projektsiooni poolest.

16. sajandil korraldasid Prantsuse õukonna tantsumeistrid oma sotsiaalsete tantsude põrandakujunduse ning teatri- ja kunstilise konteksti nii, et see algatas koreograafilise vormi - ballet de cour. Sellele järgnenud kahe sajandi jooksul laienes lõhe seltskonnatantsu ja teatritantsu vahel seni, kuni 19. sajandil saavutas ballett põhimõtteliselt iseseisva sõnavara.

Selle ajastu balletimeister koreograaf oli tantsu korraldaja kui teatrikunst. 18. sajandi lõpu koreograafiakunsti hiiglane oli Jean-Georges Noverre, kelle töö ja kirjutised tähistasid dramaatilist balletti ehk balleti d'toimingut. Selles hõlmas ballett nii miimikat kui ka akadeemilisi tantse, andes tantsule väljenduse narratiivi ja histrionilise konteksti kaudu. Pärast Noverre'i ja tema kaasaegset Gasparo Angiolini arendasid teised seda suundumust mitmel viisil - eriti Jean Dauberval kaasaegse maarahva realistlikul kujutamisel, Charles Didelot romantilise lavalise illusiooni ja fantaasia poole liikumisel ning Salvatore Viganò ansambli dramaatilises kasutuses (koreograafia) ja traagilise žesti loomulikkus.

Romantilise liikumise koreograafid kasutasid balletti, mille kodifitseerisid sellised meistrid nagu Carlo Blasis, peamiselt Noverre'i päeva ballet d'action teatrivormides või ooperilahendustes (balletilised vahepalad). Baleriin, tema rolli tõstis äsja leiutatud näputöö (tasakaalu asend varba äärmises osas) ja mõlemad naissoost korpused said uue esiletõstmise. Teatritantsu narratiivi kunsti kõige paremini arendanud koreograafid olid Kopenhaagenis asuv August Bournonville; Jules Perrot, eriti Londonis ja Peterburis; ja Marius Petipa, kes Peterburis tõid oma tipptasemel tähelepanuväärse klassikalise balleti toimingu just sellistes teostes nagu „Uinuv kaunitar“, milles klassikalise tantsu laiendatud ja keerulised sviidid tõid süžeele poeetilise ja metafoorilise väljenduse.

Varane moderntants tutvustas Ameerika Ühendriikides uusi liikumis- ja väljenduselemente; ning balletis rõhutas Michel Fokine loomingulisemaid naturaalseid stiile ja tugevamat teatripilti kui Petipa balletiklassitsism. Sellest ajast alates on koreograafilised vormid kujutise ja abstraktsiooni pooluste vahel varieerunud.

20. sajandi tantsumärkus oli seotud nii põhiliikumise kui ka formaalse tantsuga ning seda abistas abstraktsete sümbolite uute süsteemide leiutamine - kõige mõjukamad olid Rudolf von Laban ja Rudolf Benesh. Labanotatsioon näitas esimesena liikumise kestust, sujuvust või intensiivsust. Tänapäeval arenevad need süsteemid ja teised kiiresti edasi, neid võimendavad filmid ja videolindid.

Koreograafia arenes mitte vähem kiiresti. Kompositsioonimeetodid varieeruvad radikaalselt - mõned koreograafid kasutavad toorainena oma tantsijate improvisatsioone, teised kavandavad enne proovimist iga liigutust. Merce Cunningham muutis radikaalselt koreograafia konteksti oma suhtumises muusikasse ja dekoratsioonidesse kui juhuslikesse (mitte koostöö- või toetavatesse) tantsudesse, juhuse meetodite kasutamisse tantsu kompositsioonis ja korralduses ning mitteteatrilise esitusruumi kasutamisel. Temast, George Balanchine'ist ja Sir Frederick Ashtonist said klassikalise või abstraktse tantsu juhtivad eksponendid; kuid kaks viimast - nagu Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins ja teised - produtseerisid ka suuri koreograafia representatiivseid teoseid. Ainus tänapäevane koreograafia absoluutne reegel on see, et see peaks kehtestama tantsule korra, mis ületab puhta improvisatsiooni taset, ning et see peaks kujundama tantsu ruumi kolmes dimensioonis ja aja neljandas dimensioonis ning vastavalt inimese potentsiaalile keha.