Portreed
15. sajandi joonistatud portreesid - mille autoriteks on näiteks Pisanello või Jan van Eyck - võib nende kontsentreerimisel, teostamisel ja ruumi jaotamisel pidada lõpetatud pilditeosteks. Selge, delikaatselt piiritletud kujundus järgib pinna kõiki detaile ja püüdleb realismi poole. Eelistatud on detailirikas profiil; meenutab reljeefi, see sarnaneb medaljoniga. Järgmiseks, puhta profiili esiletõstmiseks, tuli esile ruumilisema efektiga kolmveerandprofiil, mis pidi sajandeid jääma klassikaliseks portreekujunduseks.
Maaliga lähedane seos kehtib praktiliselt kõigi 15. sajandi portreejooniste kohta. Isegi nii jõuline teos, nagu Düreri joonistus keiser Maximilianist, pärineb maali portreeuuringust. Kuid samal ajal kehastavad mõned Düreri portreejoonised selgelt kunstilise ettevõtmise lõppjärku, ambivalentsust, mida võib täheldada ka teistes 16. sajandi portretistides. Jean ja François Clouet 'teosed Prantsusmaal ning noorema Hans Holbeini teosed Šveitsis ja veelgi silmatorkavamalt Inglismaal samal sajandil andsid portreejoonistamisele autonoomia, eriti kui joonis valmis eri värvi kriidiga. Pehmema keskmise, kontuurimise, mis on kogu oma täpsuse osas vähem tugevalt iseseisev, valik ja õrnem sisejoonistus tasapinnaliste elementidega annab neile joonistele elavama, isikupärasema iseloomu ja rõhutab veel kord nende lähedust maalile.
Polükromaatilise kriiditehnika ja pastelli puhul säilitas portreejoonistamine oma iseseisvuse 19. sajandil. 18. sajandil kuulusid Quentin de La Tour, François Boucher ja Jean-Baptiste Chardin - kõik need Prantsusmaalt pärit kunstnikud - selle peamiste praktikute hulka ja isegi 19. sajandil elanud Ingres kasutas selle tehnikat endiselt. Pastellmaalides kaalus portree üles kõik muud teemad.
Poosi, tüübi ja teostuse valimisel mõjutavad portreemaali, nagu ka teisi kunstiliike, ajastu üldised stiililised tunnused. Hilisbaroki ja rokokoo äärmuslikule piltlikule suhtumisele järgnes neoklassitsismi ajal aga lahkem kontseptsioon, mis eelistas ühevärvilisi tehnikaid ja viljeles ka silueti erivormi - profiilikontuurjoonist, mille ala oli täidetud musta värviga. XIV sajandi alguse portreejooniste loojad, kes olid võlgu oma 15. sajandi eelkäijatele, olid taas suunatud detailide ja plastiliste efektide täpsele edasiandmisele kõige hoolikamalt valitud graafiliste kandjate abil: õhuke, kõva pliiats oli nende lemmikpill, ja hõbedase punkti tabasid ka romantikud.
Kuna portreede psühholoogilised aspektid olid rohkem huvitatud, eelistasid 19. ja 20. sajandi lõpu kavandid pehmemaid värvipliiatseid, mis järgivad kergesti iga kunstilist impulssi. Iseloomulike elementide haaramine ja adekvaatne lennukitasand kaaluvad neid rohkem kui realistlik detail. Meeleolu elemendid, intellektuaalne pinge ja isiklik seotus on moodsa portree ja seega ka tänapäevase portreejoonistuse tüüpilised tunnused - kunst, mis dokumenteerib kunstniku isiklikku viimistletud meisterlikkust lisaks erinevate tehnikate omadustele.
Maastikud
Juba 15. sajandil saavutasid ka maastikujoonistused piisavalt autonoomiat, nii et konkreetse maali taustal tehtud uurimistöö ja iseseisva visandiga maastiku vahel on raske vahet teha. Juba Jacopo Bellini 15. sajandi visandites (säilitatud albumites Briti muuseumis ja Louvre'is) on loodusõpetuse ja pildilise struktuuri vahel tihe seos; Titiani ateljees 16. sajandil pidid pildimaterjali taustal olema esitatud maastiku visandid.
Kuid just Dürer arendas maastikku meenutatud kuvandina ja autonoomse kunstiteosena, lühidalt öeldes, omaette teemana, viidamata teistele teostele. Tema akvarellid, aga ka joonised kahe Itaalia-teekonna, Nürnbergi ümbruse ja Hollandi-reisi kohta kujutavad kõige varasemaid puhtaid maastikujooniseid. Sajandid pidid mööduma, enne kui sellised joonistused selles absoluutses sõnastuses uuesti ilmnesid.
Maastikuelemendid olid väga olulised ka 16. sajandi Saksa ja Hollandi joonistel ja illustratsioonidel. Piltlik kujundus, mis enamikul juhtudel on endiselt olemas, on formaalselt üsna integreerunud romantilisse metsa- ja niidumaastikku, eriti Doonau kooli töödes - näiteks Albrecht Altdorfer ja Wolf Huber. Sagedamini kui teistes koolides, leidub siin hoolikalt teostatud loodusvaateid. Hollandis joonistas Pieter Bruegel topograafilisi vaateid ja ka tasuta maastikukompositsioone, mõlemal juhul autonoomsete teostena.
17. sajandil jõudis loodusõpe ja sellest välja kasvanud maastikujoonis uuele kõrgpunkti. Accademia degli Incamminati (näiteks Domenichino joonistused) maastikujoonistused ühendasid klassikalise ja mütoloogilise teema kangelasmaastikega. Roomas elav prantslane Claude Lorrain töötas sageli avatud taeva all, luues seni saavutamata atmosfääri kvaliteediga maastikujooniseid. Seda tüüpi haritud ja idealiseeritud maastikku, mida on kujutanud ka Poussin ja teised Roomas elavad põhjamaalased (neid hakati kutsuma hollandi romistideks, pidades silmas asjaolu, et Roomas elas nii palju Hollandi kunstnikke, nende joonistused Itaaliast saavutasid peaaegu eeterliku kvaliteedi), on vastupidiselt ebamaise looduslähedase maastiku kontseptsiooniga, mida oma sünnimaa maastiku kujutamisel valdavad peamiselt hollandlased. Kõik maastikumaalijad - nende maastikumaalid, mis olid kunstiliselt spetsialiseerunud madalates riikides tugevalt esindatud - lõid ka iseseisvaid maastikujooniseid (näiteks Jan van Goyen ja Jacob van Ruisdael ning onu ja nõbu), Rembrandtil oli jälle eriline koht.: jäädvustades piirkonna tunnuseid sageli vaid mõne löögiga, täiustas ta neid viisil, et nad omandaksid monumentaalse väljendusjõu ka kõige väiksemas formaadis. 18. sajandi Itaalias sai topograafiliselt ustav maastikujoonis oluliseks Vedutistide tulekuga, kes olid „vaadete vahendajad”, moodustades ise grupi (nende seas Giambattista Piranesi ja Canaletto [Giovanni Antonio kanal) ning sageli töötades selliste optiliste abivahenditega nagu raami raam ja kaamera varjatus. Suurema kunstivabaduse maastikujoonised, aga ka kujuteldavad maastikud tegid kõige edukamalt mõned prantsuse kunstnikud, nende seas Hubert Robert; piltlikult ja atmosfäärivabalt jõudsid need teemad selliste õunte joonistatud maastikesse teise õitsemiseni, nagu näiteks Turner ja Alexander Cozens, kelle mõju ulatub 20. sajandisse.
Arvestades nende suurt huvi piiritlemise vastu, vaatasid 18. sajandi neoklassitsismi ja veelgi enam romantismi koostajad loodust topograafilise täpsusega. Uue „avastusena” sai romantiliselt ja kangelaslikult liialdatud Alpide maailm kunstniku meelest oma koha arkaadlaste vaatega Itaalia maastikule.
Maastikujoonised ja veelgi enam, akvarellid, moodustasid 19. sajandil ammendamatu teema. Maastikujoonistuste peamiste loojate hulka kuulusid prantsuse kunstnik Jean-Baptiste-Camille Corot ning sajandi lõpupoole Cézanne ja van Gogh. Maastikud moodustasid osa paljude 20. sajandi kavandite töödest, kuid suurema osa sajandist võttis žanr kui selline üldiste vormiprobleemide järel teise koha, kus teemat käsitleti üksnes lähtepunktina. Kuid 20. sajandi viimase 30 aasta jooksul naasis suur hulk ameerika kunstnikke esindatuse juurde, investeerides seega uuesti maastikku kui subjekti.
Kujunduskompositsioonid ja natüürmordid
Autonoomse joonistamise peateemade - portreede ja maastiku - võrdluses on kõik ülejäänud vähem olulised. Kujunduskompositsioonid sõltuvad suuresti oma aja maalist ja on sageli sellega otseselt seotud. Oli kindlasti kunstnikke, kes käsitlesid oma joonistel monumentaalmaali teemasid, näiteks 17. sajandi graveerija ja söövitaja Raymond de La Fage; üldiselt on aga figuurikompositsiooni kunstiline eesmärk pilt, joonistus kujutab endast üksnes kasulikku abivahendit ja teejaama. Žanristseenid, eriti populaarsed 17. sajandi madalates riikides (nagu seda on teinud näiteks Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade ja Jan Steen) ning 18. sajandi Prantsusmaal ja Inglismaal, saavutasid teatud iseseisvuse. Ka 19. sajandil olid joonistused, mis jutustasid igapäevaelu lugusid; olles sageli illustratiivse iseloomuga, võib neid nimetada väikesteks piltideks mitte ainult sageli mitmevärvilise vormingu tõttu, vaid ka nende kunstilise teostamise tõttu.
Ka natüürmordid võivad väita, et tegemist on autonoomsete joonistega, eriti lillekujunditega, nagu hollandi kunstniku Jan van Huysumi joonistused, mis on olnud populaarsed alates 17. sajandist. Siinkohal on jällegi tõsi, et hästi läbimõeldud paigutus muudab vahetu loodusuuringu pildikompositsiooniks. Mõnes neist kompositsioonidest on sarnasus maaliga väga tugev; näiteks 19. ja 20. sajandi kunstniku Odilon Redoni pastelltoonid või 20. sajandi saksa ekspressionisti Emil Nolde töö oma kromaatilise intensiivsusega ületab joonise ja maali vahelise eraldusjoone. Natüürmortides, nagu ka maastikes, on moodsate kunstnike jaoks olulisemad autonoomsed vormiprintsiibid kui faktiline väide.
Meeleolukad ja mitteesindatavad joonistused
Kujutavate ja väljamõeldud teemadega joonistused on välisest tegelikkusest sõltumatumad. Traditsioonilised teemad on olnud unenägude näitamine, moonutamine ja reaalsuse eraldi tasandite ja piirkondade põimimine. Hieronymus Boschi 15. sajandi lõpu fantaasialooming on varaseks näiteks. Seal on 16. sajandi flaami kunstniku Pieter Bruegeli allegoorilised talupojapildid ja 17. sajandi Prantsuse kunstniku Jacques Calloti karnevali söövitus. Teised, kelle tööd illustreerivad seda, mida saab välismaastiku ja portreekujundusega joonistada, on järgmised: 18. sajandi Itaalia graveerija Giambattista Piranesi, 18. sajandi anglo-šveitsi kunstnik Henry Fuseli, 19. sajandi inglise illustraator Walter Crane, 19. sajandi prantslane Sümbolist kunstnik Gustave Moreau ja 20. sajandi sürrealistid.
Esindamatu kunst, mille joonistamise põhielemendid - punkt, joon, tasapind - taandati puhtale kujule, pakkus uusi väljakutseid. Assotsiatiivsetest kehalistest ja ruumilistest suhetest loobumise kaudu omandavad joonise mõõtmete ja erinevate meediumite struktuuri avanemine uue tähenduse. Nii tasapinna kui ka tähistamata ala graafilisi omadusi oli juba varasematel aegadel rõhutatud - näiteks 16. sajandil Giuseppe Arcimboldo grotteschi (inimlike ja loomsete vormide väljamõeldud või fantastilised kujutised, mis on sageli ühendatud üksteisega ja põimitud lehestiku, lillede, puuviljade või muu taolise kujutisega ja kalligraafilistes harjutustes, näiteks moreenides (tugevalt stiliseeritud lineaarne ornament, mis põhineb lehtedel ja õitel), kuid enamasti printides või graveerides mudeleid kõige erinevamate dekoratiivsete ülesannete jaoks (sisekujundus, mööbel, nõud, ehted, relvad jms).
